LONDRES
Saatchi Gallery
Exhibitionism: The Rollings Stones. Del 5 de abril al 4 de septiembre 2016.
Después de un acontecimiento tan histórico como su concierto gratuito en Cuba (¿no recuerda un poco al de Pink Floyd tras la caída del muro de Berlín?) The Rollings Stones están tan de actualidad como en sus épocas más sonoras y eso que llevan a sus espaldas casi 54 años de carrera Tanto es así que la Saatchi Gallery londinense les homenajea con Exhibitionism, la mayor exposición que se ha hecho jamás sobre la mejor banda de Rock n’ Roll de todos los tiempos, también conocida como Sus Satánicas Majestades.
La muestra, que ocupa nueve inmensas salas diseminadas en dos pisos de la galería -unos 1.750 metros cuadrados-, está articulada por temas: moda, música, arte, diseño, cine, actuaciones en directo e impacto cultural, para así poder empaparnos con las diferentes etapas de la historia los Rollings. Y el público podrá disfrutar contemplando reúne más de 500 objetos muchos de ellos nunca vistos y pertenecientes a los archivos de la banda: su vestuario más icónico (con unos 90 atuendos originales, diseñados por Alexander McQueen, Prada, JP Gaultier, Dior y Gucci, entre otros), sus guitarras y otros instrumentos, entre los que sobresale la primera batería de Charlie Watts, libros, discos, películas, diarios personales, audios inéditos, performances, fotografías y diversas piezas de arte y rarezas o souvenires acumulados a lo largo de sus más de 50 años de fascinante historia.
El póster de la exposición en la Saatchi Gallery.
“Habíamos estado pensando en hacer la exhibición durante mucho tiempo”, comentó Mick Jagger, “pero tenía que ser en el momento indicado, y a gran escala, como cuando planeamos nuestras giras. Creo que ahora es un momento interesante para llevarla adelante”. Ya se sabe, los viejos rockeros nunca muere… Se transforman en arte.
MADRID
GALERÍA ELVIRA GONZÁLEZ
Donald Judd, muebles y grabados: Del 6 de abril al 11 de junio de 2016.
La Galería Elvira González nos deleita con una deliciosa exposición (de esas que uno espera con ansiedad) de Donald Judd (Excelsior Springs, EE UU, 1928 – Nueva York, 1994), o mejor dicho de los muebles y grabados de este polifacético artista estadounidense, nombre clave en la historia del siglo XX.
Estudió Filosofía e Historia del Arte en Columbia y pintura en Nueva York y, además fue crítico de arte. Hartito del expresionismo abstracto y de la bidimensionalidad pictórica, evolucionó de la pintura abstracta a la geometría y de allí a la creación de objetos en tres dimensiones, objetos específicos, sobre suelo o pared,con materiales no artísticos. Su reivindicación de la simplicidad junto a otros artistas desembocó en la formulación del arte minimal, fundamental en la plástica de los 60 y 70. Él elevó ese estandarte y se convirtió en su más certero teórico.
En la exposición, podrán verse grabados, muebles en madera y en metal pintado, que ponen de manifiesto la gran productividad de este artista. En sus palabra Judd entendía que: “la configuración y escala del arte no pueden transponerse a los muebles o a la arquitectura. La intención del arte es diferente, el diseño debe ser funcional. Si una silla o un edificio no es funcional, si es sólo arte, es ridículo”.
Entre los materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal –su material más característico-, el contrachapado, y el plexiglás. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe. Con ellos creó obras con las que intentó expresar relaciones afines a las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son frías, carentes de implicación emocional, en las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las piezas. En la muestra se pueden apreciar sus muebles metálicos pintados, tan característicos de la obra de Judd, y los de madera que rerpesentan una faceta auténticamente americana del artista, con claras influencias de los muebles folk y a aquellos de las comunidades shaker que se instalaron en los Estados Unidos del siglo XIX. Y en cuanto a los grabados que acompañarán al mobiliario son planchas de color donde el artista repite formas. El color y la definición de las líneas suponen las única variantes.
MADRID
PONCE+ROBLES
Tomar posición: Raúl Díaz Reyes+ Ding Musa + Carlos Nunes, muebles y grabados: Del 9 de abril al 20 de mayo de 2016.
¿Qué tienen en común Raúl Díaz Reyes (Madrid, 1977), Ding Musa (São Paulo, 1979) y Carlos Nunes (São Paulo, 1979)? Su manera peculiar de contemplar, mirar, comprender, digerir, desmenuzar e interpretar lo que les rodea. De esto nos habla Tomar Posición un proyecto a tres bandas que presenta la galería Ponce+Robles. En la exposición se cuestiona la importancia en la descripción de los propios objetos y hace hincapié en la necesidad de comprender los mecanismos y acontecimientos que interaccionan entre los procesos. Cada uno de los artistas pretende dar un papel protagonista a la percepción individual de cada espectador que se enfrenta a sus obras.
Tal como sugieren los tres creadores en esta muestra, la realidad es algo personal e intransferible y no se trata de que las cosas puedan relacionarse, sino que son las relaciones las que dan lugar a la idea de cosa. Mira y cuéntame lo que ves y cómo. El mundo de la mecánica cuántica no es un mundo de objetos: es un mundo de acontecimientos elementales y las cosas adquieren entidad en el momento en que esos hechos elementales suceden. En éste caso, la conjunción de los tres proyectos de cada uno de los artistas en un espacio-tiempo determinado.
Tomar Posición muestra qué se genera a través del reflejo entre las obras ( hechas específicamente para el proyecto) de Raúl Díaz Reyes, Ding Musa y Carlos Nunes. Y lo que se surge a raíz de la interacción entre las tres distintas producciones. Una interacción física por medio del reflejo en el caso de Díaz Reyes, donde la irradiación del color y el reflejo de las obras de Musa y Nunes configuran sus propias esculturas. Para Musa, la percepción de las formas en el espacio es fundamental y único: enfrenta al espectador (y a las obras de los otros artistas) a contemplar la realidad representada como unidad estructural en la construcción de lo que percibimos. En el caso de Nunes, crea múltiples posibilidades y variaciones por medio de experimentos con el color y la luz, explora así un universo científico como mecanismo de producción pero con un claro interés en la metafísica de las imágenes que se generan de sus propios experimentos.
Este trío de creadores trabajan a partir de la fotografía como una herramienta donde la luz y el color interactúan en procesos químicos que imprimen de manera permanente información de las formas de las cosas. Formas que más allá de ser partículas de pigmentos que tiñen papel para producir imágenes con la intención de ser contempladas, descubren en mayor escala una postura evidente de una visión que distorsiona lo que se nos presenta. Para Raúl Díaz Reyes, Ding Musa y Carlos Nunes, este proyecto conjunto busca centrar la acción de la muestra en tres niveles de interacción: entres las obras y el espacio; el reflejo entre los propios trabajos, pero sobre todo, en los múltiples procesos que pueden surgir entre el espectador y las piezas. ¿Os gustan las teorías cuánticas? Pues a tomar posición.
COPENHAGUE
GLYPTOTEK (glyptoteket)
Los Mundos de Gauguin: Del 15 de abril al 28 de agosto de 2016.
Paul Gauguin (París, 1848 – Atuona, Polinesia francesa, 1903), como todo artista que se precie, también tuvo que lidiar consigo mismo y por supuesto con la sociedad en la que vivía para dar forma, entidad y continuidad a su propio estilo, su peculiar visión de los primitivo. Y de ese proceso trata Los Mundos de Gauguin, esta magnífica exposición en Dinamarca.
Las 60 obras de esta exposición provienen en su mayoría de la propia colección del museo, el resto son préstamos. Junto a sus óleos más icónicos, también se pueden ver obras que el artista pintó sobre papel, piedra y madera que representan el imaginario del pintor y escultor francés, como el pasado y presente, el mito rural y la decadencia europea, o los viajes reales y fantaseados a través de culturas y destinos geográficos.
Con una narrativa clara y presentaciones temáticas, la muestra del museo Glyptoteket abarca la obra de Gauguin desde sus primeros años , documentando que el pintor siempre se interesó por buscar distintos soportes, medios y materiales. Un interés que queda evidente a través de los grabados, dibujos, cerámicas, tallas en madera, algunos muebles y joyas de diseño creadas por él. Etiquetado dentro de los pintores franceses post-impresionistas junto con Van Gogh y Toulouse-Lautrec y Cézanne.
