MADRID
Madrid XF Proyectos
Pep Llambías. El peso de la luz. Hasta el 15 de julio de 2016
A Pep Llambías le sigo el rastro desde que ambos éramos muy cachorros, él entonces pintaba, luego se pasó a la escultura y ahora escribe poesía -porque sus reflexiones además de lúcidas son poéticas- mediante objetos e instalaciones, en las que por cierto el trabajo artesanal, ese que se hecho a mano, está muy presente. Yo, al igual que entonces, sigo observando y preguntando: es lo que tiene ser una curiosa congénita. El peso de la luz, es un remake en pequeño, o un fragmento de un proyecto que el artista lleva realizando desde hace tres años y que ha expuesto en espacios enormes como el Casal Solleric de Palma de Mallorca. Por eso, lo que expone en la pequeña Madrid XF Proyectos, una nueva galería que con ésta ya lleva tres exposiciones desde su apertura, es una adaptación ¡bendita adaptación!
El título de la muestra, El peso de la luz, da cuenta del protagonismo de la iluminación o lo luminoso a través de neones o placas de luz, incluso con sus dibujos de bombillas, (excelentes) hecho completamente a lápiz. Llambías, con sus instalaciones, nos incita a pensar sobre ¿Qué es la luz? ¿Qué es el tiempo? dos conceptos que querramos o no, nos persiguen en el día a día durante toda nuestra vida. En la parte central de la galería las letras del abecedario, todas esculpidas a mano, parecen indicarnos que sin ellas nuestras nuestros conceptos y palabras no tendrían forma. “Es un bricolaje de mis ideas”, comenta su autor, “cuando sujetas las palabras, quedan, no se pueden escapar”, explica. Casualmente en sobre la “A, el comienzo del ABC, hay una ovejita, digamos que representa la ingenuidad, la candidez el inicio de lo que puede haber juntando letras. Por el contrario sobre la “Z”, el final de la escapada, reposa un cocodrilo, el reptil, por su parte, nos habla del desenlace, del this is the end, amigos, de la acumulación de la experiencia vivida. 
Siguiendo con sus metáforas lumínicas, en una de las paredes un neón marca la fecha de la inauguración de la exposición, enfrente un enorme signo de interrogación, también luminoso nos recuerda la gran duda, esa que parece cuestionarse qué habrá (o sí habrá) después del ayer y del hoy. Pep Llambías juega con el tiempo, es su musa le teme, lo contabiliza y lo ama. Nos habla de unos inevitables antes y después, también del espacio y de lo que hacemos nosotros atrapados por y en esas dimensiones.
Como hilo conductor, la luz. La luz sobre los objetos, la luz que nos coloniza, el tiempo que está en constante movimiento, todo esto lo podemos ver a través de las letras, los números, o los símbolos lingüísticos jugando con la luz, creando formas, sombras, pero con el brillo de la materia misma. En fin que esta exposición, además de un emotivo reencuentro, nos ilumina.
MADRID
Galería Aina Nowack/ACC
Jorge Gallego. Introspección. Del 10 al 24 de mayo de 2016
La obra de Jorge Gallego (Sevilla, 1980) es una suerte de to be or not to be, dado que está enfocada en el ser, en lo individual y en lo colectivo: un trío que sumando da forma a nuestra existencia. “Mi interés se centra en el hombre y su complejidad, en como siendo uno pertenece a la colectividad y necesita de ella para poder ser individual” explica este artista que dirige en su tierra dirigir El perro semihundido un espacio creativo multifuncional dedicado al arte y la cultura.
En Introspección, la exposición en la galería Aina Nowack/ACC todo gira alrededor de lo humano de una manera sugerente creando una reflexión sobre el devenir y lo que vamos arrastrando tras nosotros, pero sobre todo, la necesidad de cambio en lo espiritual. A través de sus cuadros el pintor reflexiona sobre lo “oculto” del ser humano haciendo que nos cuestionemos, en espacios observados, vacíos o cargados de ideas, nuestra relación con el entorno y los posos que en él dejamos y transformamos. Esto lo evidencia desde tres tópicos: paisajes, espacios interiores y objetos cotidianos.
Los paisajes, cuyas morfologías han sido ordenadas en su totalidad por el hombre, acaban siendo una “belleza” artificial provocada, donde el paso del tiempo es el protagonista. En los espacios interiores, reinciden los escombros como metáforas de vivencias y sentimientos que vamos guardando en la memoria.
Un nexo de unión entre el paisaje y los espacios interiores son las ventanas, tema recurrente en la obra de Gallego que sirve como conexión entre lo individual y lo colectivo, mostrando nuestra intimidad al espacio público y a su vez resguardándonos de él, de manera ambigua y contradictoria.
Por otro lado, los objetos cotidianos aunque son representados de forma clarividente, ocultan características que el espectador no puede ver. Se transforman en contenedores tal y como las puertas abiertas se convierten en habitaciones, huecos de la memoria que se contraponen entre lo lleno y lo vacío, la claridad y el desorden. En fin, una exposición en la que la pintura tradicional, esa la de los tiempos del tiempo es arte, un arte muy apetecible.
MADRID
Galería Helga de Alvear
Karin Sander. Kitchen Pieces. Hasta el 15 de julio de 2016
Si las observamos bien, puede que encontremos la belleza, el buen diseño, el equilibrio o la magnífica composición que se extrae de una acelga, un tomate, una zanahoria, un puerro… Es complicado pero no imposible, al menos para la alemana Karin Sander (Westfalia, 1957). De eso trata la exposición Kitchen Pieces en la galería Helga de Alvear. En plan simple podemos decir que la artista transforma los objetos cotidianos en arte: las peras, manzanas o lechugas que superan su condición de meros alimentos para convertirse en piezas únicas mediante colores chillones, llamativos y en perfectas condiciones.
Helga de Alvear expone un conjunto de frutas y verduras que parecen crear un mundo fantástico y creativo. En esta línea ha trabajado Sander porque el suyo es un arte sencillo, sin excesos, minimalista. Karin Sander propone ideas muy sencillas que buscan resultados singulares o sencillamente provocar al espectador cuyo primer pensamiento seguramente será: “Y ¿esto qué es?. Pero al parecer, detrás de su exhibicionismo vegetariano, hay un proceso de años y gran complejidad técnica. El resultado no dejar desocupado a quién lo observa.
Eva Menasse, autora del texto de la exposición, explica que otra de las lecturas de la muestra podría ser la incorrupción de los elementos con la evidencia de que las verduras parecen intactas, y por ello de algún modo, Sander nos habla de elementos vivos. A su entender las kitchen pieces de la alemana, o sea las piezas de cocina, correctamente expuestas, adoptan de inmediato un aire de arte pop.
Para la escritora austríaca: “Evidentemente la tecla que se pretendía tocar dentro de nuestras cabezas era otra, las lechugas, las berenjenas, la coliflor, los pomelos daban paso a referencias estéticas de la historia del arte, de la Antigüedad, los eclesiásticos, e incluso los modernistas”. Será cuestión de darse un vuelta por la galería y juzgar por nosotros mismos.
MADRID
Palacio de Cristal, Parque del Retiro
Damián Ortega. El cohete y el abismo. Hasta el 2 de octubre de 2016
Damián Ortega (México D.F., 1967) se estrena en solitario en España con la exposición El cohete y el abismo, nombre que también da título a una de las instalaciones con las que se ha apropiado del Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid, de la mano del Museo Nacional Reina Sofía. Vinculado a la generación de los posconceptualismos el artista que vive entre México y Berlín ha ideado esta muestra específicamente para el espacio, las características arquitectónicas y la historia del marco que la acoge. Un soporte imponente en el que expresar un discurso crítico (con cierto toque de humor) sobre las cuestiones económicas, estéticas y políticas de nuestro tiempo, y en esta muestra en concreto,nos trae una trilogía de montajes que cuestionan la ambición a partir de la arquitectura y el objeto, y su realidad una vez obsoleta o en desuso. El proceso de gestación de lo que exhibe le llevó cerca de dos años.
La primera pieza que surgió para el proyecto fue Torre Latino, con la que el artista revisa la Torre Latinoamericana , un edificio icónico en México, durante muchos años el más alto de la ciudad. Inspirado en el Empire State Building de Nueva York, al edificarla no se tuvo en cuenta que la zona en la que se emplazaba era una de las de mayor riesgo sísmico. “Un sinsentido más entre los que tantas veces se cae en todas partes del mundo, un desafío a la Naturaleza que no se sostiene sobre ninguna lógica” explica su autor. Reconstruida en cuero y llena de una arena que va cayendo para dejar el rastro de sus movimientos, en su puesta en escena en el Retiro, cuelga boca abajo cual un péndulo, desde la parte más elevada de la cúpula del Palacio de Cristal.
La segunda pieza es la recreación del famoso transatlántico Titanic de 13 metros, de tela y dibujado a lápiz de cera y tinta, colocado en posición inclinada, previa a su hundimiento. La monumental embarcación, que también cuelga del techo por unos filos hilos, surgió a partir de un plano que encontró en Internet y que luego volcó sobre una lona para darle forma. En cuanto a la tercera parte de la exposición, Los pensamientos de Yamasaki, a los que da forma un semicírculo con imágenes de edificios y los objetos que habrían sido parte de su interior, es fruto de la investigación realizada por el mexicano sobre el proyecto urbanístico Pruitt-Igoe. Imágenes, textos, objetos, muchos de ellos procedentes de mercadillos, aluden a la memoria de los que habitaron el complejo de edificios construidos por el arquitecto Minoru Yamasaki, el mismo que hizo las torres del World Trade Center en Nueva York.
Considerado como uno de los planes urbanísticos de vivienda pública más relevantes de la posguerra en Estados Unidos, Pruitt-Igoe se construyó en un momento de optimismo económico, pero fue una gran decepción por su rápida decadencia. En los 70 , sus treinta y tres edificios fueron demolidos por decisión del gobierno federal, convirtiéndose en paradigma del fracaso de la arquitectura moderna.
El título El cohete y el abismo se inspira en el poema Altazor o el viaje en paracaídas (1919), de Vicente Huidobro, y según Damián Ortega recoge esa tensión contradictoria entre la ascensión y la caída, haciendo alusión a la historia de la arquitectura y la ingeniería.Para el comisario de la muestra Joao Fernandes, los obras expuestas “son tres alegorías de la contradicción entre la visión humana y sus consecuencias en la realidad”, ya que el trabajo del artista mexicano “es una manera de cuestionar la realidad y analizarla”. Ortega, con múltiples exposiciones en distintos museos europeos y americanos, se inició como caricaturista político para revistas y diarios mexicanos, satirizando acciones gubernamentales y discursos políticos. Tras colaborar con Gabriel Orozco en los años 80, encaminó su creatividad hacia las artes visuales, trabajando la escultura, la instalación y el vídeo y explorando el potencial de elemento hacer obra.
